Quim Bigas i Carme Torrent

El gener de 2015, Quim Bigas Bassart i Carme Torrent van ser convidats a participar en el Festival Sosteniendo la pregunta  ¿Qué puede un cuerpo?-  en  La Casa Encendida,Madrid.

Segons el mateix festival: “La pregunta ‘qué puede un cuerpo?’ proposa que el que pot un cos pot ser diferent del que vol el moviment del capitalisme global. La corporalitat del món es situa en relació als entorns i les màquines d’un sistema interdependent i complexe, que empeny els cossos a adoptar la mecánica d’una coreografia totalitzadora i suposadament lliure, exigint als cossos ser productors, productes i reproductors d’un moviment esgotador, que els situa entre poder ser, el que els deixin ser i no poder ser el que haurien de ser”.

Van decidir aprofitar la trobada i la invitació que aquest marc els facilitava per generar una trobada/conversa entre els dos. D’aquesta trobada va néixer Eclipse , la imagen siempre llega tarde.

La residencia 2017 al Graner será una manera de reprendre el projecte que es trova ara mateix en zones liminals de la producción artística, tant pel que fa al desenvolupament com a la presa de decisions de com i des d’on seguir treballant.

Quim Bigas Bassart (Barcelona, 1984). Treballa en els camps de la coreografia, la dramatúrgia i la societat de la información. Graduta com a Major in Dance and Post-Graduate Artists in Residency en SEAD (Salzburgo)  i alumne invitat a l’escola de y alumno invitado en la Nuevos desarrollos de la Danza- SNDO (Ámsterdam). Actualmente estudia el Grau en Informació i Documentació a la Universitat Oberta de Catalunya (UOC) i el Master en Noves Pràctiques Performatives a UNIARTS/DOCH (Estocolmo).

Viu entre Copenhague, Estocolm i Barcelona, on du a terme les seves pròpies creacions, així com algunes col·laboracions amb altres artistas. Aquests últims anys ha treballat, entre d’altres, amb Aitana Cordero Vico (To-get-her(e) y Sweet); Carme Torrent (Eclipse o la imagen siempre llega tarde); o El Conde de Torrefiel (Escenas para una conversación después del visionado de una película de Michael Haneke). Ha creat Crònica d’un espai de desgast amb el grup de joves FESTUCS. El seu propi treball inclou el projecte APPRAISERS i el solo MOLAR.

www.quimbigas.com

Carme Torrent

Estudia Arquitectura a la Universitat de Barcelona mentre treballa en diferents estudis, entre ells el de l’arquitecte Enric Miralles. Paral·lelament desenvolupa el seu treball en l’àmbit de la dansa; mostra els seus treballs, du a terme projectes amb altres artistas i és performer per altres coreògrafs, entre ells: Min Tanaka, Carmelo Salazar i Xavier Le Roy.

El treball de la Carme Torrent està implicat en processos d’aprenentatge, investigación i creació. Una part important del seu treball s’inscriu en l’exploració del potencial dels llocs i del context com a dispositius coreogràfics.

www.carmetorrent.com

www.moversesobrenada.blogspot.com

Bárbara Bañuelos

Mi padre no era un famoso escritor ruso.
Un documental escénico

Un projecte d’Investigació social i creació escénica. Als 14 anys vaig descobrir un secret familiar, un secret que podia canviar la meva història, la història d’una família i del seu entorn social. Tot això em va fer reflexionar sobre la memòria individual i com aquesta conforma la història col·lectiva. A partir d’aquell moment investigo, documento testimonis, recopilo informació institucional i indago sobre esdeveniments i fets similars dins d’un context social i d’una època determinada. Aquest documental escènic pretén ser un recorregut pels conceptes d’arxiu, record, document, història, memòria, imatge, cos, narració, imaginació, passat, futur i present. Un documental més enllà de la pantalla i de la imatge projectada, on el fet escènic, l’experiència cinematogràfica i allò corporal s’expandeixen per generar una nova mirada, un nou lloc per descobrir el paper del cos (re)actualitzant el passat, el record i la memòria en relació a la història i al seu context escènic.

Bárbara Bañuelos, formada, deformada i transformada entre Burgos, Madrid, Londres i Nova York, compagina el seu treball escènic amb diferents projectes musicals.

Amb “Inventario: memorias de una aspiradora”, el seu projecte més recent, amb centenars de papers i objectes rebutjats que ha anat recopilant en els últims vint anys, ha recorregut els terres d’espais escènics i expositius com ara el Musac, Artium, Caixa Forum, Teatro Pradillo, Festival Escena Abierta. Actualment està en procés d’investigació i creació de “Mi padre no era un famoso escritor ruso”, un documental escènic que neix de les troballes de la seva peça anterior. Forma part de Ju, grup musical que sorgeix com a laboratori de creació i composició i que es consolida amb el seu primer àlbum el 2015. ‘Poco Adrede Nunca’ i amb un segon ‘Todo y la cabeza’ que sortirà a la primavera. A més a més, és la veu, el cap i la mà gratadora d’Elephant Pit, projecte musical de versions i amb el que ha recorregut sales estatals, espais efímers i festivals no convencionals.

Lipi Hernández

 Elaboració d’un documental audiovisual que expliqui la metodología DATA a través dels cossos-ments dels ballarins i ballarines que han col·laborat amb Lipi Hernández en els processos pedagògics i coreogràfics dels últims 10 anys.

L’objectiu de la residencia al Graner és crear un document teòric-pràctic sobre el sistema DATA, amb totes les perones que han participat, d’una manera o altra, en aquest procés de treball i investigació i que han compartit amb mi aquest llarg camí de preguntes i practiques.

Explorar les formes en el seu desbordament, en el sentit del límit, del barranc, Aquest tipus de dinámica o carácter del cos obliga a estar connectada a un espai que només es posa al servei de la supervivencia de la forma.

Lipi Hernández 

València 1965

Ballarina, coreògrafa, docent i investigadora en l’àmbit del cos i el moviment. El 1995 va fundar la Cia. de dansa contemporània Las Malqueridas, on va crear cinc espectacles de carrer, teatre i espai no convencional. Va ser fundadora de l’espai de creació La Caldera, del qual en va ser directora artística entre els anys 2004 i 2007. Entre 2005 i 2007 fou companyia resident de Cal Bolet de Vilafranca del Penedès dins el programa de residències de la Generalitat de Catalunya. El 2006 fou Cap de l’Especialitat en Pedagogia de la Dansa al CSD de l’Institut del Teatre. El 2007 transforma Las Malqueridas en una plataforma d’investigació i desenvolupament I+D de nous formats artístics al voltant del cos i el moviment. Entre 2008 i 2009 va ser assessora artística del Centre Coreogràfic Gallec a La Coruña, va dirigir ‘Cordón de plata’ i va presentar la darrera fase d’investigació de ‘Rasa’ al Museo Reina Sofía de Madrid. Des de 2005 es professora del Conservatori Superior de Dansa / CSD i de l’Escola Superior d’Interpretació / ESAD en les matèries de tallers de creació, fonaments del moviment i tutories finals de la carrera de coreografia i pedagogia. A més a més acompanya i recolza projectes i artistes de reconeixement nacional i internacional. Titulada en el Grau Superior de Pedagogia de la Dansa per l’Institut del Teatre, estudia i practica Harmonyum tecnologia cabalística, és professora de Naam Yoga i dóna tallers de creació en centres i companyies de dansa professionals. Acompanya  joves creadors a investigar sobre el seu propi llenguatge coreogràfic.

transFORMAS

VULNUS es un proyecto de TRANSformas, Artes Escénicas y transformación, que mezcla la investigación científica y la creación artística. La alianza de un equipo artístico que interviene y reflexiona sobre el teatro y la sociedad con un grupo de investigadores universitarios y activistas que interrogan la diversidad, la vulnerabilidad y la noción de procomún abre nuevas vías de creación teatral. VULNUS quiere ser un espacio de creación compartida entre profesionales de las artes escénicas, pensadores, ciudadanas y ciudadanos que viven la vulnerabilidad y el sufrimiento desde diferentes puntos de vista.

La experiencia y la investigación se relacionan en una ida y vuelta permanente implicando a cada participante y favoreciendo un pensamiento colectivo, crítico y constructivo.

VULNUS busca a través de las obras artísticas invitar al espectador a compartir una visión poética pero también una posición activa y reflexiva.

 

Asun Pié Balaguer es Profesora de los Estudios de Psicología y Ciencias de la Educación de la Universitat Oberta de Catalunya (UOC). Su trayectoria de investigación se centra en los Estudios de la Discapacidad (Disability Studies), está explorando las tensiones entre la ética de los cuidados y los Disability Studies. Ha sido profesora invitada en la Universidad de Antioquia (Colombia), la Universidad Autónoma de México y la Universidad Pedagógica Nacional-Hidalgo (Pachuca, Mexico). También ha sido profesora asociada del departamento de Teoría e Historia de la facultad de Pedagogía de la Universidad de Barcelona. Co-dirige el Posgrado en Salud Mental Colectiva. Actualmente está trabajando en el Proyecto de investigación Care & Preparedness in the Network Society (CareNet). UOC. IN3. 2015-2020. Es miembro del Comité Científico y Comité de árbitros de la Revista Horizontes Pedagógicos. Facultad de Educación y Ciencias Humanas de la Corporación Universitaria Iberoamericana y miembro del Comité Evaluador de la EARI (Educación Artística Revista de Investigación).

 

Thomas Louvat, director artístico, actor y formador, desde 2004. Master en investigación Teatral en el Instituto de Estudios Teatrales de la Universidad de Paris III – Sorbonne Nouvelle. Entre 1994 y 2001 trebaja como actor en diversos espectaculos, coorganizado los Encuentros de Teatro y Juventud por Europa en Grenoble, cofunda El Teatro MOZKAÏ, espacio de creación y investigación teatral en Paris y Grenoble Donde dirije varios espectáculos, y coordina un trabajo de investigación sobre la utilización del teatro en contextos sociales extremos.

En 2003, se instala en Barcelona, ​​y comienza a trabajar en el proyecto TeatroDentro (teatro en la cárcel). A partir del año 2005 asume la dirección artística de transFORMAS y la coordinación del proyecto TeatroDentro y desarrolla actividades de formaciones en Europa (Teatro, educación y prisión) o como experto para el programa de cohesión social en América Latina EUROsociAL sobre el diseño y ejecución de proyectos de educación no formal en las cárceles basados ​​en el teatro (Argentina, Costa Rica, el Salvador, Colombia, Paraguay). Es profesor de Antropología teatral en el posgrado de Teatroteràpies del del ISEP y del IESP entre 2009 y 2014.

A partir de 2010, coordina diferentes proyectos europeos y el 2016 coordina la publicación del libro “Living Memory: creación artística colaborativa”.

 

Esperanza González, psicóloga social, desde 2008 – Psicóloga participante en el proyecto TeatroDentro el Centro Penitenciario de Quatre Camins. Licenciada en Psicología y Máster en Psicología Forense, ha realizado también estudios de Filosofía en la Universidad de Barcelona. Ha trabajado en el ámbito de la escuela y, fundamentalmente, en el de la exclusión social, desarrollando programas innovadores, relacionados con las técnicas teatrales, de formación, motivación e inserción laboral para personas con dificultades personales y sociales y con características especiales. Asimismo, trabaja como terapeuta en el ámbito privado, como psicóloga forense y es profesora de Psicología de la Creatividad en el posgrado de Teatroterapias del del ISEP y IESP. Sus intereses están centrados en el papel del teatro y de los espacios para la creatividad en el desarrollo de la persona y de los grupos, y su conexión con las relaciones de poder.

 

Silvia G.Márquez, educadora social y productora de proyectos teatrales en contextos comunitarios y especializada en diversidad funcional en Cataluña, Madrid, Serbia y Berlín.

Asesora de grupos para la evaluación de procesos, trabajo en equipo, análisis de roles y contenidos humanísticos mediante la dirección escénica y PNL.

Docente de los estudios de psicología y ciencias de la educación de la UOC (Universitat Oberta de Catalunya). Miembro del LES, Laboratorio de Educación Social y del grupo de investigación Cohabitar entre-Fabra y Coats Centro Contemporáneo, dispositivo de interacción entre prácticas artísticas y espacios sociales en la ciudad de Barcelona.

Bea Fernández y Javier Vaquero

Lo real, cuerpos ocupados es una residencia de investigación pedagógica que Bea Fernández y Javier Vaquero llevan a cabo con el objetivo de compartir herramientas de investigación y pedagogía que han venido desarrollando individualmente durante los últimos años y generar metodologías comunes a partir de la práctica y cuestionamiento de sus experiencias de intercambio. Este proyecto nace de la necesidad por parte de los dos colaboradores del proyecto de invertir un tiempo de calidad para investigar herramientas corporales que han ido desarrollando a lo largo de sus años como profesionales de la danza.  Encontrar un lugar común donde concentrar energías en investigar formas y métodos de interpretar el movimiento y COMO transmitir dichas informaciones. Crear, al fin y al cabo, un marco para pensar con la mente/cuerpo que conocimiento tácito tenemos después de tantos años de practicar danza, y como podemos transmitirlo a otra persona para potenciar calidades y reflexiones alrededor del movimiento.

 

Bea Fernández es cofundadora del colectivo Las Santas y codirectora artística de La Poderosa, espacio de creación e investigación escénica en Barcelona. Estudia Danza Contemporánea y Coreografía en el Institut del Teatre de Barcelona y amplía sus estudios en el Center for Movement Research (Nueva York). Trabaja como intérprete con Danat Danza y colabora estrechamente con el coreógrafo Carmelo Salazar (1998-2004), participando en piezas como Europea no es una puta, Espaciales o El salón dorado. Ha creado los solos Escorzo (2004), I have a dream (2006) y Cuerpo en escena en colaboración con Olga Mesa. En el 2008 desarrolla un proyecto centrado en la figura del intérprete como memoria y archivo vivo, que se despliega en dos formatos: el documento audiovisual Los que se ven entre si y la pieza escénica Tres personas, todos los cuerpos. Actualmente desarrolla Muy experimental, un proyecto de investigación que planea convertirse en una realidad constructiva entre creadores. Desde hace seis años desarrolla una actividad anual pedagógica de laboratorios del cuerpo dirigidos a estudiantes y bailarines profesionales interesados en el cuerpo y la construcción de la
presencia de este mismo en tiempo real.
Javier Vaquero Ollero comienza sus estudios de danza y teatro en diferentes centros de Madrid, Andalucía y en la Universidad Miguel Hernández de Altea. En 2003 se traslada a Róterdam para cursar el Título Superior en Danza Contemporánea, impartido por CODARTS. Desde entonces ha trabajado como intérprete con diferentes creadores como Xavier Le Roy, Nicole Beutler, Hofesh Shechter, Bea Fernández, Pere Faura, Aimar Pérez Galí, Conny Janssen Danst, Ann van der Broek, Marta Reig Torres, Dylan Newcomb y Arno Schuitemaker, entre otros.
Desde hace años también desarrolla su propio trabajo como coreógrafo con proyectos como Declarando Amor, Danzas Primitivas, Saturno y el salón de espejos, Lógica de la representación y otros; y como pedagogo en diferentes centros tanto en España como en Latinoamérica. Es miembro fundador de Espacio Práctico (Barcelona) y ha formado parte del colectivo A R T A S, que dirige el espacio de creación y agitación cultural La Poderosa (Barcelona).
En los últimos años vivió en Lima (Perú) donde trabajó como docente de la carrera de danza de la Pontifica Universidad Católica del Perú. Y posteriormente vivió en Bogotá (Colombia) donde cursó la Maestría en Teatro y Artes Vivas impartida por la Universidad Nacional de Colombia y donde también fue docente de danza en la Carrera de Artes Escénicas de la Universidad Javeriana.
En la actualidad reside en España donde sigue desarrollando su carrera desde la creación, investigación, pedagogía, interpretación y gestión. Y además este año 2016 lanza su primera publicación “Cuerpos Achorados”. Publicación coordinada por él y escrita por varios colaboradores donde se charla y reflexiona sobre la danza contemporánea en el contexto peruano.

Vicente Arlandís

SUAMRIO 3/94

El 25 de junio de 1994, mi padre Vicente Arlandis es detenido por la Guardia Civil acusado de asesinar a Mª Lidia Bornay, una señora de 84 años, vecina nuestra. Él mismo había denunciado su desaparición unas horas antes, extrañado de que
Mª Lidia llevara varios días sin contestar a sus llamadas. Debido a su avanzada edad y también a que padecía Alzheimer, a mi padre le preocupa que le haya podido pasar algo dentro de su vivienda. Cuando aparece el juez y abren la puerta,  encuentran el cuerpo de la mujer desangrado, con numerosas heridas de arma blanca y la casa totalmente desordenada.

Mi padre fue desde el primer momento uno de los sospechosos principales, hizo más de cinco declaraciones a la Guardia Civil tratando de explicar qué había hecho el día del asesinato, narrando dónde y con quién había estado, y en cada una de ellas expuso unos hechos diferentes. Después de numerosas declaraciones de vecinos y testigos y diferentes diligencias realizadas por el juzgado, los forenses y la policía, mi padre, junto a dos personas más, es detenido y acusado de homicidio. Tras cinco años de juicios y recursos, es condenado a 29 años, 6 meses y 1 día de cárcel. Cumplió condena en varias  prisiones del Estado y estuvo encarcelado durante 13 años, 7 meses y 10 días.

Este proyecto pretende construir una nueva historia y una nueva versión de los hechos. Quiere poner sobre la mesa e interrogar la forma y la multitud de historias que se sucedieron alrededor del suceso. Partir de la frialdad y la supuesta objetividad del relato judicial y hacerlo estallar en mil pedazos. Y rescatar nuestra historia a nuestra manera. Este proyecto pretende construir, quizás, una nueva inocencia. No tanto la que decretaría la institución judicial (que todavía hoy seguimos reivindicando), sino la inocencia que podría materializar (renovar, ampliar) el hecho escénico.

Captura

VICENTE ARLANDIS es creador escénico, investigador y docente. Máster en Producción Artística (Pensamiento Contemporáneo) por la Universidad Politécnica de Valencia y Máster en Performance en APASS (Adavanced Performance and
Scenography Trainning) (Bruselas). Desde 2001 hasta el 2015 trabaja junto a Sandra Gómez en el proyecto Losquequedan, desde el que llevan a cabo proyectos artísticos como la serie Borrones, Thank You Very Much, Tragedia de los  Comunes o The Love Thing Piece. Ha realizado talleres y laboraorios de creación escénica en espacios como DOCH, Máster de New Performance Language (Estocolmo, Suecia), Festival VEO (València Escena Oberta), Casa de Cultura de España en Lima (Perú), Universidad Politécnica de Valencia (UPV), Universidad de Sevilla, La Fundición (Bilbao), Las Naves. Espacio de Creación Contemporánea (Valencia) o la Facultad de Bellas Artes de Bilbao. Ahora mismo, es docente en el Máster de Práctica Escénica y Cultura Visual de la UCLM (Universidad de Castilla La Mancha) – MNRS (Museo nacional Reina Sofía). Ha colaborado con numerosos artistas, tales como Hipólito Patón, Miguel Ángel Martínez, Gloria&Robert, Lisbeth Gruweth, Macarena Recuerda, Jan Fabre, Amalia Fernández, Saioa Olmo o Rafael Tormo i Cuenca entre otros. En la actualidad, desarrolla su trabajo alrededor del proyecto de COS. En este marco, impulsa y lleva a cabo el proyecto de investigación escénica “7 maneras de hacer el idiota” y el proyecto artístico “Qué pasa cuando no pasa nada”.

Montón de paja & trigo

Montón de paja & trigo con Javier Guerrero a la cabeza, presenta Avenida Paradise, un proyecto de investigación entorno a muchos acontecimientos que hemos vivido, vidas que se cruzan y se transforman con el invento de la globalización y una evolución tecnológica en los últimos 50 años. La tecnología, los masas-media, los viajes low cost, el Whatsapp, el acceso a la información ha transformado la forma de comunicarnos con una rapidez y una evolución mayor a la capacidad de adaptación. Atrás queda el mundo rural, el origen, de donde un día partimos.
Algunos lugares por los que transitamos son: Un diner americano atemporal. Outsiders del s. XXI. El desierto de Nevada, el desierto de Tabernas (Almería), ambos con parajes yermos, temperaturas extremas y separados por más de un millón de kilómetros. Hombres que se pasan horas jugando a las cartas. Mujeres que no entran a los bares y jóvenes que se pasan días enteros navegando por la red, son algunos de los lugares/historias por las que camina este proyecto. Algunos de estos relatos se desarrollarán de una forma más extendida, otros serán como zapping que veremos en ciertos momentos pero todos nos sirven de excusa para hablar sobre los temas que realmente nos interesan; ¿Cómo nos enfrentamos a la falta de hogar? y ¿Cómo nos lo re- inventamos? ¿Cuáles son la fragilidades del ser humano y las estrategias individuales que hacemos para suplir la falta de amor.

 

Licenciado en Humanidades por la Universidad de Extremadura (2006) y graduado en Interpretación de la danza y coreografía por el Conservatorio Superior de Danza, Institut del Teatre ( 2016). Empieza sus estudios de danza y composición en Madrid en la escuela de Carmen Senra donde es becado y realiza la formación profesional durante tres años.
En 2012 crea Monton de paja & trigo para dar cabida a su forma de entender el mundo y traducir sus ideas a través de procedimientos artísticos que no se limitan únicamente al campo coreográfico. Su primera pieza De traje y corbata 2013 recibe diferentes premios de distintos certámenes; Segundo premio (Jeunes choreographers Montpellier), Premio del público (Certamen Unidanza), Premio Tutoría y Premio mejor intérprete ( Certamen coreográfico de Madrid).
Su segunda pieza “Wimbledon o la Gran Desilusión” estrenada en abril 2015 ha sido programada en Nit del museus, Nunart, Teatre Tantaranta, ha recibido el primer premio en el IV Certamen de Microdanza de Madrid y seleccionado por G.R.U.A; Grup Recerca Universos Artistics para Olot. Se ha presentado en diferentes festivales; Costa Contemporánea, Festival Trayectos Zaragoza, la Mercé 2016 y en la Pedrera. W I M B L E D O N es su primera pieza larga y se ha estrenado recientemente en el Teatre Ovidi Montllor.
Interesado en la creación e investigación artística y el desarrollo de un lenguaje personal con el objetivo de entender la realidad y paradigma del mundo contemporáneo.

VÉRTEBRO

Díptico por la Identidad supone una particular investigación llevada a cabo desde 2013 en torno a cuestiones de género e identidad, con el deseo de proponer un contexto de pensamiento y acción que ofrezca, a través de prácticas artísticas y  políticas disidentes, conceptos permeables sobre la identidad. La idea de que nuestra identidad no es algo inherente y que existe porque sí, sino que se imagina, inventa y representa, pretende atravesar dos dispositivos escénicos confrontados en un díptico; Dios tiene vagina, cercano al concierto, al ritual y al folclore, y Comerme las flores, que se inclina hacia la conferencia, la política o el activismo.

VÉRTEBRO somos Ángela López, Juan Diego Calzada y Nazario Díaz. Desde 2007 funcionamos como colectivo, generando nuestras poliédricas propuestas y el interés por la mixtura de disciplinas nos confiere una permeable identidad.

 EN NUESTRO BAILE, RITMOS FLORIDOS