Programa ventana latinoamericana

Ventana para la Internacionalización de la Danza
Del 8 al 10 de julio: IPAM – Danza
La Ventana para la Internacionalización de la Danza mostrará un programa diseñado por profesionales del sector de la danza enfocado a la creación local y también a las propuestas latinoamericanas. Países como México, Brasil, Chile o Uruguay están invitados este año a presentar proyectos de coproducción nacionales e internacionales.

Exhibición Latinoamericana
Ayara Hernández
Virgínia Amarilla
Francisca Sazie
Michelle Moura
Magdalena Brezzo
Marcela Levi

Aquí todo el programa de la exhibición latinoamericana: Latin American Exhibition

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IPAM 2014 DOCS

La segunda edición de la “Finestra d’Internacionalització de la Dansa” se llevará a cabo los días 8, 9 y 10 de julio y en esta ocasión no se repetirá la fórmula de exhibición de proyectos catalanes, sino que esta edición se concentrará en la búsqueda de alianzas para encontrar futuros coproductores y estrategias de difusión para la danza catalana durante el 2015.

A continuación adjuntamos dos documentos que resumen las conversaciones y las decisiones que se tomaron en las reuniones de los días 27 de marzo y 2 de abril alrededor del IPAM 2014. Os recordamos que las reuniones son abiertas a todo el sector y que no es necesario recibir invitación para participar en ellas. La próxima reunión es el 9 de abril a las 16h. en el Graner.

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IPAM 2014 – Segunda edición

La nova edició de l'IPAM posarà el focus en la cerca de coproductors

La segunda edición de la “Finestra d’Internacionalització de la Dansa” se llevará a cabo los días 9 y 10 de julio y en esta ocasión no se repetirá la fórmula de exhibición de proyectos catalanes, sino que esta edición se concentrará en la búsqueda de alianzas para encontrar futuros coproductores y estrategias de difusión para la danza catalana durante el 2015.

La nueva propuesta de trabaja quiere reforzar la relación entre el artista y los agentes que en estos momentos producen danza en Cataluña (básicamente festivales de artes escénicas) y se complementará con una ventana de exhibición de compañías procedentes de Brasil, Uruguay, Chile y México. También contará con una programación paralela para dar a conocer el universo artístico de la ciudad de Barcelona a partir de diferentes itinerarios que aun están por definir. Será un nuevo dispositivo para presentar al artista no solo desde la parte de la producción sino como motor de todo un territorio.

 

Apuntes sobre IPAM 2013

El pasado mes de julio tuvo lugar la primera edición de la Ventana de Internacionalización de la Danza Catalana en el marco de la también primera edición del International PerformingArts Meeting organizado por el Festival Grec.

Dicha ventana, que se concretó en forma de un itinerario de danza del IPAM, se ideó colectivamente con la implicación de los agentes de la danza de Catalunya: asociaciones, profesionales, agentes independientes, estructuras y administración pública. Su objetivo fue ofrecer a los programadores internacionales una muestra de trabajos de artistas y compañías catalanas que pueden ser bien acogidos por las audiencias de otros países y, a los artistas, una plataforma de visibilidad internacional que les permita dar a conocer y estimular el interés por sus propuestas más allá de nuestras fronteras.

Cerca de 150 profesionales se dieron cita estos días de julio en Barcelona, durante los que se pudieron ver 9 espectáculos de danza y 7 presentaciones de proyectos que fueron propuestos a partir de una convocatoria abierta y una selección internacional independiente realizada por un grupo de 6 expertos internacionales. El IPAM también incluyó un itinerario multidisciplinar, en el marco del cual se presentaron 6 piezas. Fueron unos días intensos de encuentro, de intercambio de tarjetas, de acuerdos y descubrimientos. Las instituciones que apoyan la internacionalización artística estuvieron presentes explicando sus programas de ayuda y acompañamiento y también hubo lugar para la mirada del público con la presencia de 5 abonados del Mercat de les Flors, que fueron invitados a compartir el recorrido y a conocer esa parte del proceso, la de la distribución dela que no se tiene noticia desde el patio de butacas.

Jaime Conde-Salazar fue invitado por el Graner a unirse al grupo en calidad de observador externo y teórico. En la web de Graner se pueden leer 7 posts que no pretenden ser una crítica al uso, ni una crónica de lo que sucedió, sino un recorrido por la memoria, por el poso que dejaron algunos de estos espectáculos de ambos itinerarios en su recuerdo y que ha agrupado bajo el título Lugares de acción.

El Conde de Torrefiel presentó Observen cómo el cansancio derrota al pensamiento. Las preguntas al aire que se lanzan en el espectáculo, mientras el público ve un partido de baloncesto entre amigos, son una invitación a la definición y al posicionamiento. Después, una entrevista entre un hombre y una mujer, también a través de la voz en off, lleva a la confesión de que la vida es una mierda, siendo ese lugar íntimo porque es en esa afirmación y en el recorrido de la pelota hacia el aro dónde el individuo existe.

Conde-Salazar nos cuenta que, justo al comenzar Delta, de Aymar Pérez Galí, se percata de que la relación que va a mantener con el espectáculo no va a ser contemplativa. A medida que pasan los minutos, la escena le pide un ejercicio intelectual continuado para seguir el hilo, para leer la escritura que se está dando en directo mientras los bailarines ejecutan una serie de estructuras de movimiento y traicionan las convenciones.

Los límites entre realidad y representación se desdibujan en la propuesta de Societat Doctor Alonso: a través de un paseo por un mundo en cambio y del que nos llegan sus sonidos nos aparece la cuestión filosófica de si el ser es algo que se forma independientemente de lo que le rodea. Nos encontramos ante una propuesta que sugiere que, lo que sucede, quizás viene definido por nuestra imaginación.

Diarid’accions, de Pere Faura, es una representación lineal de una serie de titulares de periódicos, descontextualizados de la noticia que los acompaña. El lenguaje se libera de la idea, deja de ser negro sobre blanco y se convierte en una realidad que emerge como poesía visual cargada de humor.

En Crónica de José Agarrotado, de la compañía loscorderos, los dos personajes en escena, cuyos cuerpos parecen llegar siempre al límite en la representación de una acción que evita convenciones, aparecen como el desdoblamiento de una única conciencia, de un diálogo interior compartido.

Durante los 4 días que duró el IPAM también pudimos ver el dúo Solos Bach &Gould, coreografiado por Albert Quesada;los solos WhereTheThingsHide, de Guy Nader y El Pliegue, de Sonia Sánchez; Trinity, una pieza de danza interactiva audiovisual de Òscar Sol e Iris Heitzinger y Crash, de Olga Álvarez/La Taimada. También en el terreno de la danza, realizaron una presentación de sus proyectos La Veronal, EulàliaAyguadé, Roser López Espinosa, UmmaUmma Dance junto con Manuel Rodríguez, CONTRAPUNCTUSdanceport y Roberto Olivan/Enclave Arts del Moviment.

Ya en el marco del itinerario multidisciplinar del IPAM, el recuerdo que el observador invitado tiene deMontaldo es la contemplación de una representación y un relato poco convencionales, que no se desarrolla de una manera lineal tal y cómo el argumento podría sugerir, sino que ocurre en el cuerpo-escena de Ernesto Collado, lugar dónde físicamente se explora la poética de un viaje en busca de la utopía.

Si la historia de la danza se ha explicado tradicionalmente por la acumulación de técnicas y la superación de la más vieja por la más nueva, en un ejercicio autobiográfico y de clara intención didáctica, Toni Jódar explica como su cuerpo es una suerte de contenedor de todas ellas para llegar a la conclusión de que las formas son porque, en el fondo, hablan de las vidas particulares de los cuerpos que las hacen posibles.

Aunque la serie Lugares de acción se detiene sólo en 2 de las propuestas del itinerario multidisciplinar, éste incluyó también espectáculos de Colectivo 96º y del artista de circo Jorge Albuerne y a Cabosanroque y Carles Santos con su propuesta Maquinofòbiapianolera.

Sol Picó, Oguri y Andrés Corchero, Societat Doctor Alonso y ÀngelsMargarit/Cia. Mudances actuaron también esos días en el marco de la programación oficial del Festival Grec.

En un momento en el que crear marca parece ser que se está convirtiendo en imprescindible para asegurar la supervivencia colectiva, la opción de la Ventana de Internacionalización de la Danza Catalana y, por extensión, del IPAM que la acogió, fue poner en valor la creatividad que, por definición es diversa y poliédrica, huyendo de sellos únicos construidos a partir de una geografía compartida. Los recuerdos de Jaime Conde-Salazar, además de ser un mapa de diversos lugares de acción, es un testimonio de varios espacios que, junto con el resto de la programación dedicada a la danza, son representantes de sí mismos.

IPAM International Performing Arts Meeting (IPAM) – Festival Grec 2013

El pasado mes de julio tuvo lugar el International Performing Arts Meeting (IPAM) en el marco del Festival Grec 2013.

Además de un itinerario multidisciplinar, el IPAM presentó un itinerario de danza (Ventana de Internacionalización de la Danza Catalana), una iniciativa impulsada por varios agentes del sector e instituciones que trabajan para la internacionalización de la cultura catalana.

Pia Mazuela y Fani Benages (Associació de Companyies Professionals de Dansa de Catalunya) y Marc Olivé (Mercat de les Flors) nos explican el proyecto.

La Ventana se organizó a través de un proceso participativo abierto a las compañías. La selección final fue posible gracias a la evaluación de las candidaturas por parte de una comisión de expertos independientes formada por Christian Watty (Internationale Tanzmesse, Alemania), Mojca Jug (Bunker, Eslovenia), Francine Bernier (Agora de la Danse, Canadá), Benjamin Perchet (Maison de la Danse Lyon y Biennale de la Danse, Francia), Leonel Brum (Bienal Internacional de Dança y Dança em foco, Brasil) y Eddie Nixon (The Place Londres, Gran Bretaña).

 Aquí podrás consultar los perfiles de la COMISIÓN DE VALORACIÓN

Les companyies seleccionades van ser les següents:

Presentación de pieza escénica*

Guy Nader – Where the things hide
Sònia Sánchez – El Pliegue
loscorderos – Crónica de José Agarrotado
Òscar Sol i Iris Heitzinger – Trinity
Olga Álvarez/La Taimada – Crash
El conde de Torrefiel – Observe how tiredness defeat the thought
Pere Faura – Diari d’accions
Aimar Pérez Galí – Delta – A post-Believe Manifesto
Albert Quesada – Solos Bach & Gould

 * En este enlace podrás consultar la información de cada propuesta: PIEZAS ESCÉNICAS

Presentación de proyectos**

La Veronal – Islandia
Societat Doctor Alonso – Introduction to introduction
Eulàlia Ayguadé – Little Me
Roser López Espinosa – Lowland
Umma Umma Dance & Manuel Rodríguez – Stuntman/Loser Kings
CONTRAPUNCTUS Danceport – Full Evening
Roberto Olivan/Enclave Arts del Moviment – A place to bury strangers

 ** En este enlace podrás consultar la información de cada propuesta: PROYECTOS PRESENTADOS

Aquí puedes descargarte el PROGRAMA IPAM y el  DOSSIER IPAM

El artista Jaime Conde-Salazar fue uno de los invitados al encuentro. Nos dejó una serie de posts titulada Lugares de la acción, centrada en la vertiente artística del IPAM.

AQUÍ  toda la serie de artículos LUGARES DE LA ACCIÓN

Cinco de los abonados a la programación del Mercat de les Flors también fueron invitados a seguir el itinerario de danza del IPAM y nos dejaron sus impresiones.

PIEZAS ESCÉNICAS- IPAM 2013

Las compañías seleccionadas para presentar su propueta dentro del IPAM 2013 fueron:

Guy Nader – Where the things hide

Guy Nader_Where The Things Hide_© Hussam Mcheimech

Escondidos detrás de las cosas cotidianas, surgen nuevos mundos, nuevas dimensiones que alteran la percepción de una realidad inmediata. Lo absurdo, la paradoja y el humor se encuentran en nuestro cuerpo. Un cuerpo cotidiano descontextualizado que no sólo es un reflejo de lo que hay, sino que también está relacionado con la conciencia de lo que falta. Articulado detrás de su apariencia normal, reconocida y familiar para todos nosotros, esconde una cierta rareza que nos lleva a nuevas sensaciones y a diferentes percepciones.

El artista libanés Guy Nader reside en Barcelona. Compagina la creación y dirección de sus propias obras con la colaboración con otros colectivos y artistas de diversas disciplinas. Ha trabajado con Bebeto Cidra, Maqamat Dance Theatre, Oreet Ashrey y Roser López Espinosa, entre otros. Inspirado por diversos campos artísticos y las artes marciales, desarrolla un lenguaje coreográfico distintivo. Ha recibido diversos premios y reconocimientos internacionales como el primer premio en el Festival Internacional Masdanza 2010 y la beca Europa DanceWEB para assistir a ImPulsTanz de Viena en 2012. Es artista residente en La Caldera.

Idea y dirección: Guy Nader. Intérprete: Guy Nader. Asistente coreográfico: María Campos. Diseño de luces: Xavi Muñoz. Técnico: Amadeu Solernou.

Con el apoyo de BIPOD-Beirut International Platform of Dance y Maqamat Theatre Dance. Con la colaboración de La Caldera-Centre de creació de dansa i arts escèniques contemporànies.

+ info: www.guynader.com

Sònia Sánchez – El Pliegue

Sonia Sánchez_El Pliegue_© Alexy Goes Photos

El Pliegue se centra en la memoria interna y externa que surge de los sonidos y silencios, las melodías y las disonancias, las pasiones y las comprensiones, las actitudes y los gestos. Cada experiencia es utilizada como un movimiento interno del suelo que crea el relieve y las texturas en la dramaturgia.  La pieza ha surgido de la investigación lleva a cabo en el marco del ciclo de laboratorios llamado El inmediatamente de al lado, que tiene por objetivo crear espacios íntimos, comunes y momentos de reciprocidad.

Con 33 años de recorrido por el mundo de la danza y la música, Sonia Sánchez sigue apostando por su baile, investigándolo y exprimiéndolo sin descanso. Ligada al flamenco desde que nació, en 2002 decide iniciar una nueva etapa de indagación profunda en las formas de creación, composición y transmisión de este arte. Sin ánimo de olvidar ninguna de las revoluciones que la preceden, desarrolla un método de conocimiento y entrenamiento corporal inspirado en las herramientas del Body Weather y el flamenco.

Creación e interpretación: Sonia Sánchez. Colaboración artística: Joan Saura, Liba Vilavecchia, Manel Vizoso, Patricia Caballero, Eduardo Rodilla, Meritxell Roda.

Con el apoyo de Mercat de les Flors. Colaboración técnica: Centre Cívic Can Felipa, Centre Cívic Barceloneta, Centre de Creació Burg, Centre d’Investigació OK Corral y L’Estruch.

+ info: http://soniasanmar.blogspot.com.es

loscorderos – Crónica de José Agarrotado

loscorderos_Cronica de Jose Agarrotado_© rojobarcelona

Una atmosfera íntima, contundencia física y verbal. Un absurdo elaborado pero cotidiano es utilizado como hilo creador de un mundo propio, con leyes propias. La voluntad de convivencia en términos generales, y sus particulares imposibilidades, con el consecuente derrumbamiento de todo lo creado. Crónica de José Agarrotado es, básicamente, una cita sin salida con alguien tan cercano a ti que bien podría ser tu pareja o tú mismo. ¿Nunca has pensado que matar a tu alter ego podría ayudarte a soportar mejor la vida?  

Con sus creaciones, loscorderos.sc indaga en la naturaleza del ser humano. Su lenguaje escénico no está basado en la palabra, sino en la interrelación entre texto y fisicalidad, con la finalidad de encontrar nuevas vías de narración con las que llegar a mundos extra cotidianos, alejados del simple retrato de la realidad. David Climent y Pablo Molinero, junto con Pilar López, crean la compañía en 2003. Su primer trabajo,  Crónica de José Agarrotado, recibe el Premio Aplauso Sebastià Gasch y, diez años después, sigue madurando por diferentes escenarios. Su segundo trabajo, El mal menor, recibe el Premio al mejor montaje teatral del Premio Unnim de Teatro. Su última pieza, El cielo de los tristes, ha sido galardonada con el Premio al mejor espectáculo del III CENIT y el Premio FAD Sebastià Gasch. En 2013 son seleccionados para formar parte del proyecto europeo modul-dance e impulsan una nueva creación fruto de la colaboración con diversas casas de danza europeas.

Creación, dirección e interpretación: David Climent y Pablo Molinero. Música: Carles López , Pepe J. Gómez. Diseño de iluminación: Anna Rovira, Oscar de Paz. Técnico: Chus Parcero. Vestuario: loscorderos.sc. Management y producción: Pilar López.

+ info: www.loscorderos.es

Òscar Sol i Iris Heitzinger – Trinity

Pieza de danza interactiva audiovisual que narra el viaje de un cuerpo que atraviesa diferentes estados de percepción del espacio. A través del movimiento, el cuerpo se sumerge en un entorno de texturas y paisajes audiovisuales, que no sólo le acompañan sino que le empujan hacia un proceso de transformación. Mediante el estrecho vínculo alcanzado entre la triada del movimiento, la luz y el sonido, se da forma a un lenguaje que permite la manifestación de estos elementos en el espacio provocando, al mismo tiempo, profundos cambios en el comportamiento físico del cuerpo por la reverberación y los ecos de sus propias acciones.

Dedicado a las artes visuales y a la tecnología interactiva, Óscar Sol se ha especializado en el desarrollo de visuales generativos en tiempo real con la herramienta de programación Jitter. En 2009 inició el proyecto colectivo Electronic Performers. Ha colaborado con Lectrovision, Eric Singer y Cristian Vogel, entre otros. Iris Heitzinger estudió en el Anton Bruckner Privatuniversität de Linz y se ha formado en Inglaterra, Bélgica y Finlandia. Bailarina freelance y profesora, es cofundadora del guinea pic collective y colabora como creadora con artistas de otros ámbitos. Ramón Prada es músico y compositor y autor de música sinfónica, bandas sonoras, música de cámara y espacios sonoros para la escena. Reconocido internacionalmente, sus últimas composiciones utilizan la electrónica más experimental y la manipulación en vivo del sonido y la imagen.

Idea original: Óscar Sol. Creación: Óscar Sol, Iris Heitzinger. Coreografía e interpretación: Iris Heitzinger. Música: Ramón Prada/Vittus. Diseño interactivo y visuales: Óscar Sol. Vestuario: Ariadna Papiol.

Una producción de Electronic Performers. Con la colaboración de NU2′s, Graner Centre de  Creació y Mercat de les Flors.

+ info: http://electronicperformers.in

Olga Álvarez/La Taimada – Crash

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Crash se convierte en el colapso de dos cuerpos, de dos ánimas que se unen para fundirse, pero también para perderse y romperse. No es una historia, no explica quiénes son, qué hacen ni qué valen sus protagonistas, sólo nos muestra un fragmento, un intervalo en el que los dos personajes se cruzan, chocan frontalmente y se asoman a su propio precipicio.

Olga Álvarez se ha formado con Anne Morin, Carles Sala, Andrew Harwood, Benoît Lachambre, Àngels Margarit, Jordi Cortés, Lipi Hernández, Alexis Eupierre y Thomas Hauert, entre otros. Desde 2002 ha sido bailarina profesional con las compañías Búbulus, Artur Villalba, Las Malqueridas, Didi Dorvillier y Magda Polo. En 2004, junto con Leyre Llano, creó la Cia. LaTaimada, en residencia en La Caldera, La Danseria y el teatro Cal Bolet. Entre sus creaciones se encuentran La taimada, Kuadrilater, Silenci: projecte XXI, Estimada Ventafocs, (M)alicia y Postmalicia. Durante cinco años ha sido directora artística del Festival Danza También, organizado por el Ayuntamiento de Vilafranca.

Dirección: Olga Álvarez. Coreografía: Marc Fernández, Angie Mas, Olga Álvarez. Bailarines: Marc Fernández, Angie Mas. Ayudantes creativos: Beatriz Souza, Maribel Martínez. Música: Ilia Mayer. Producción: Cia. LaTaimada. Producción técnica: Censet. Producción ejecutiva: Anna Iglesias.

+ info: https://vimeo.com/channels/lataimada

El conde de Torrefiel – Observe how tiredness defeat the thought

La dramaturgia de la pieza yuxtapone un encuentro de baloncesto en el que los jugadores miden su resistencia, fuerza y técnica. Mientras, un hombre y una mujer debaten temas relacionados con ellos mismos, interrogándose alrededor de cuestiones vitales que les preocupan, como el amor, la política, el dinero, el entretenimiento, el arte o la muerte. Tanto el partido como la conversación están invisiblemente unidos por la idea de enfrentamiento: un tour de force con la pretendida finalidad de “ganar” la partida, jugando a baloncesto o defendiendo un discurso.

Pablo Gisbert y Tanya Beyeler encabezan El Conde de Torrefiel, un proyecto que propone piezas escénicas resultado de una oscilación entre literatura, artes plástica y coreografía, que busca trascender los parámetros del lenguaje verbal. Como si fueran discursos o hipótesis circunstanciales, sus trabajos configuran un recorrido que se dirige a responder una pregunta más grande: ¿Cómo traducir en escena la realidad contemporánea? La compañía, que inició su trayectoria profesional en 2010, forma parte del equipo artístico de La Veronal en la composición textual y dramatúrgica de sus piezas.

Idea y creación: El Conde de Torrefiel. Dirección: Pablo Gisbert, Tanya Beyeler. Asistencia dramatúrgica: Celso Jiménez. Intérpretes: Pablo Gisbert, Andreu Martínez, Jordi Rodríguez, jugadores de baloncesto invitados. Textos: Pablo Gisbert. Música: Frédéric Chopin,  agrupación musical invitada.

Con la colaboración de La Porta (programa Espacios Cómodos 11), Consell Nacional de la Cultura i les Arts-Generalitat de Catalunya  e Institut Ramon Llull.

+ info: www.elcondedetorrefiel.com

Pere Faura – Diari d’accions

Utilizando objetos, el movimiento del cuerpo o el lenguaje del vídeo, titulares de diarios se convierten en una manifestación poética y coreográfica al ser ejecutados, interpretados o rotos en un ejercicio físico, visual y poético que explora el espacio entre lenguaje y acción, entre partitura y ejecución, entre expectativas previas y realización final, entre literalidades lingüísticas y metáforas escénicas.

Pere Faura se graduó en la School for New Dance Development de Amsterdam en 2006 con una pieza que ganó el ITS Festival Award y fue seleccionada para la gira DansClick de los Países Bajos. El mismo año comenzó a trabajar en el Teatre Frascati de Amsterdam como coreógrafo residente. Allí creó la mayor parte de sus obras, presentadas internacionalmente. En 2009 recibió el prestigioso premio Charlotte Kohler. En 2011 y después de graduarse en el Amsterdam Master of Choreography, volvió a Barcelona y comenzó a trabajar en nuevas producciones y a colaborar con otros artistas visuales como Iñaki Álvarez, Joan Escofet o Aggtelek. Su trabajo se caracteriza por la apropiación de elementos de la cultura pop como el striptease, los musicales o el porno, en una coreografía multidisciplinar construida entre todos los elementos que conforman el mecanismo teatral.

Creación y dirección: Iñaki Álvarez, Pere Faura. Diseño de luces y técnico: Israel Quintero.

Una producción de Pere Faura e Iñaki Álvarez. Con el apoyo de la Beca Ciutat de VIc, Centro Coreográfico de La Gomera, Consell Nacional de la Cultura i les Arts-Generalitat de Catalunya y L’Estruch.

+ info: http://perefaura.com

Aimar Pérez Galí – Delta – A post-Believe Manifesto

¿En qué creer cuando se dispone de todo el aparato crítico para desmontar cualquier teoría, creencia o movimiento? Estamos ante una declaración de intenciones a nivel experiencial, donde se cuestiona el paradigma capitalista de provocar la constante sorpresa con lo nuevo, apostando por la revisión de procedimientos aparentemente ya agotados, jugando a preguntarse: ¿qué pasaría si ahora creo en esto?
Partitura coreográfica que sigue la estela de creadores minimalistas de los años 70 como Lucinda Childs o Sol LeWitt. Mediante cálculos geométricos y matemáticos, juega con la expectativa y establece un ritual que evoca lo sublime. Una estructura hermética y repetitiva que busca un estado sostenido y abstracto dentro de una construcción cósmica.

Aimar Pérez Galí trabaja en el campo de las artes escénicas y performáticas. Formado como intérprete de danza contemporánea en la Escuela Superior de Arte de Amsterdam, actualmente está cursando el Programa de Estudios Independientes del MACBA. Trabaja internacionalmente con Xavier LeRoy y Nicole Beutler, a la vez que desarrolla su propia obra y es responsable de Espacio Práctico.

Concepto y dirección: Aimar Pérez Galí. Intérpretes: Carme Torrent, Clara Tena/Javier Vaquero, Aimar Pérez Galí. Composición musical: Sara Fontán. Músicos colaboradores: Dani Vega, Björt Runarsdottir, Edi Pou, Lucrecia Dalt, Marc Abad. Diseño de luces: Akim Hassani. Vestuario: Jorque Dutor. Peluquería y maquillaje: Paco Garrigues. Asistente de movimiento: Laura Alcalà. Técnico: Valeria Linera. Producción: www.lafalla.net.

Una coproducción de Kunstcentrum BUDA y Mercat de les Flors. Con el apoyo del Institut Ramon Llull,  Fàbrica de Creació
Fabra & Coats y Graner Centre de Creació.

Albert Quesada – Solos Bach & Gould

Estudio minucioso de la famosa interpretación de las Variaciones Goldberg de Bach que Glenn Gould realizó basado en unas instrucciones íntimamente relacionadas con el sonido del piano y las palabras del pianista. El músico graba las variaciones, se equivoca y lo intenta de nuevo, nos habla de su manera de tocar y grabar. En este dueto que ofrece dos nuevas interpretaciones de la partitura, el movimiento acompaña y, al mismo tiempo, dirige la música.  

Después de estudiar Filosofía e Ingeniería Multimedia, Albert Quesada se formó P.A.R.T.S. en Bruselas y en la  Hogeschool voor de Kunstern-MTD en Amsterdam. Ha trabajado con Benjamin Vandewalle y, desde 2009, baila con la compañía ZOO-Thomas Hauert. Actualmente está de gira con Vera Tussing con el espectáculo Trilogy, una noche de tres piezas cortas sobre estructuras musicales, Slow Sports y Ensemble, su última propuesta. Creador de vídeo y también para la escena, actualmente se encuentra preparando una exploración sobre cómo entendemos la música de orquesta.

Coreografía: Albert Quesada. Adaptación: Federica Portello, Mireia de Querol, Petra Söör. Intérpretes: dos de los adaptadores mencionados. Música: extractos de una grabación de Glenn Gould de las Variaciones Goldberg de J.S. Bach (1955), entrevista a Glenn Gould sobre su última grabación de la pieza (1981). Vídeo y sonido: Albert Quesada.

Una producción de Albert Quesada. Con la colaboración del Consell Nacional de la Cultura i les Arts-Generalitat de Catalunya y nadine. Residencias: BUDA Kunstercentrum, Centre Cultural de les Corts y Estudio de Àngels Margarit/cia. Mudances. Apadrinado por Cia. Búbulus – Carles Salas / La Caldera.

+ info: http://veraalbert.wordpress.com

PROYECTOS PRESENTADOS – IPAM 2013

Los proyectos presentados dentro del IPAM 2013 fueron:

La Veronal – Islandia

La Veronal_Islandia_© Tristán Pérez

Uno de los principales fracasos de la historia del pensamiento occidental es la supeditación de la imagen a la idea que representa. Lo visual ha ganado la partida. Sólo pervirtiendo la imagen podemos dejarla atrás y caminar hacia una nueva verdad. Islandia es una reflexión sobre la relación entre significante y significado, sobre los vínculos creados entre una imagen y los conceptos que sugiere. Se centra en el mecanismo de reproducción y representación de un concepto, palabra, texto, imagen o canción, que van directamente asociados a un significado que puede trascender en una nueva realidad.

La Veronal está dirigida por el coreógrafo Marcos Morau y formada por artistas procedentes de diversos ámbitos. La búsqueda de nuevas formas de expresión y un potente lenguaje narrativo son los principales elementos distintivos de la premiada compañía. Recientemente ha creado una pieza para el Cross Connection Ballet de Copenhague y ha sido invitada a crear para las compañías suecas Norrdans y Skånes Dansteater, así como para la Compañía Nacional de Danza. Se dispone a crear un decálogo en el que cada pieza se sitúa o toma como punto de partida un país o ciudad del mundo, creando una analogía entre danza y geografía y que ya cuenta con títulos como Siena, Islandia, Rusia, Finlandia, Maryland o Suecia.  

Dirección: Marcos Morau. Coreografía: Marcos Morau en colaboración con los intérpretes. Intérpretes: Lorena Nogal, Inma Asensio, Sau Ching-Wong/Cristina Goñi, Manuel Rodríguez/Xavi Auquer, Tanya Beyeler. Asistente de coreografía: Lorena Nogal. Dramaturgia y textos: Pablo Gisbert-El Conde de Torrefiel. Espacio e iluminación: Enric Planas & La Veronal. Música: diversos autores islandeses. Fotografia: Tristán Pérez-Martín. Vídeo: Edu Pérez. Vestuario: Soffía Ósk Stefánsdóttir. Producción: Juan Manuel Gil.

Con la colaboración de Roberto Fratini, Mercat de les Flors, DeVIR/CAPa Centro do Artes Performativas do Algarve
y Graner Centre de Creació. Con el apoyo de INAEM-Instituto Nacional de las Artes Escénicas y
la Música y Departament de Cultura-Generalitat de Catalunya.

+ info: www.laveronal.com

Societat Doctor Alonso – Introduction to introduction

Societat Doctor Alonso_Introduction to introduction

¿Qué mueve al pañuelo?
El aire / El ventilador
¿Qué mueve al pañuelo?
El ventilador / La música
Y, ¿qué mueve el aire?
¿El pañuelo?
¿Quién mueve a Nina Simone?…

Societat Doctor Alonso está dirigida por el director teatral y dramaturgo Tomàs Aragay y la bailarina y coreógrafa Sofia Asencio. Una de las claves fundamentales del lenguaje creado por la compañía es el concepto de desplazamiento, de situar algo fuera de su lugar o espacio propio para indagar cómo este desplazamiento modifica el lenguaje. Esta maniobra de desplazamiento se ha revelado como una herramienta eficaz para generar espacios de discurso poético que pongan en cuestión el statu quo de nuestra comprensión de la realidad.

Dirección: Tomàs Aragay. Creación e interpretación: Sofia Asencio. Espacio escénico e iluminación: CUBE.bz. Producción: Sònia Isart. Management: Iva Horvat.

Con la colaboración de BUNKER, L’Agora de la Danse y Teatro Pradillo. Con el apoyo de Generalitat de Catalunya e INAEM.

+ info: www.doctoralonso.org

  Eulàlia Ayguadé – Little Me

Eulàlia Ayguadé_Little Me

“Ladrillo”… La representación del objeto compacto, sin dinamismo, excepto cuando te lo tiran a la cara. Pero… ¿te has encerrado alguna vez con ladrillos en una habitación? Seguro que al cabo de dos días, tienes la sensación de que te están mirando y tu les miras a ellos. Ya no son tan inútiles como creías, son muy firmes en sus ideas, están ahí para ayudarte, para compartir, y te das cuenta de su fuerza, de su peso, de su riesgo y, a la vez, de su fragilidad, de su facilidad para deshacerse y convertirse en polvo, en nada. Son una pequeña metáfora de las personas. Tres intérpretes intentan, a través de la precisión, el detalle, la rapidez y el equilibrio, interactuar con estos ladrillos para construir y entender y, así, crear su pequeño mundo.  

Formada en música en el Liceo y en el Conservatorio de Barcelona y en danza en el Institut del Teatre y en P.A.R.T.S, Eulàlia Ayguadé ha trabajado con diferentes compañías y coreógrafos, como Akram Khan, Roberto Olivan y su compañía Enclave y Hofesh Shechter, entre otros. Además, ha creado sus propias piezas, como el solo Silencio, para el que contó con la ayuda de Wim Vandekeybus, el duo Zoom In, con Radek Hewelt y la pieza Twice read, con Anton Lachky (uno de los fundadores y miembro de Les Slovaks). Es una de las bailarinas catalanas de más relevancia dentro de la danza contemporánea internacional. En 2010 fue nominada como bailarina excepcional por los Premios de la Crítica de Londres.

Dirección artística: Lali Ayguadé. Coreógrafos y bailarines: Lali Ayguadé, Joan Català, Kin Young Jin. Compositor: Josep Baldoma.

Una coproducción de Mercat de les Flors. Con el apoyo de Mercat de les Flors, Akram Khan Company,  Tanzhaus NRW Düsseldorf y La Caldera. Con la colaboración de Graner Centre de Creació (residencia).

Roser López Espinosa – Lowland

Roser López Espinosa_Lowland_© Alfred Mauve

Fascinados por las migraciones de los pájaros, queremos aprender a volar. Lowland nos retorna a la animalidad del cuerpo y del movimiento, al aprendizaje, el esfuerzo, la tenacidad y la resistencia, la belleza, el espíritu de superación y el espíritu de libertad. Lowland es el paisaje de cada uno y el viaje. Sólo se puede volar con el cuerpo y nos hará falta ingenio e imaginación para conseguir unas alas. Un imaginario del mundo de las aves y de los hombres, lleno de luz y vitalidad en Lowland, la tierra baja.

Roser López Espinosa es graduada en Danza Contemporánea por la Escuela Superior de Artes de Ámsterdam y sigue entrenamientos con el ex entrenador olímpico de gimnasia Jaume Miró. Baila en Holanda con la Magpie Music Dance Company de Katie Duck, Marta Reig Torres y Pere Faura. En Barcelona colabora especialmente con  Àngels Margarit/Cia. Mudances, y también Cesc Gelabert e Iago Pericot, entre otros. Desde 2006 ha creado piezas propias (The lizard’s skin, Còncau II, Miniatura, etc) que han recibido el reconocimiento internacional con premios en Masdanza, en el Certamen de Burgos-NY i en el Certamen de Madrid y se han visto en Europa, Egipto Canadá y Japón. En 2013 estrena Lowland, en coproducción con el Mercat de les Flors.

Concepto y dirección: Roser López Espinosa. Creación y danza: Guy Nader, Roser López Espinosa. Música original: Ilia Mayer. Diseño iluminación: Katinka Marac. Asistente de movimiento: Maria Campos. Asesoramiento dramaturgia: Raquel Tomàs, Maria Campos. Diseño vestuario: Lluna Abert. Zootropo: Noemí Laviana. Acompañamiento artístico: Àngels Margarit. Equipo técnico: Katinka Marac, Israel Quintero. Producción: L’escènica-Elclimamola. Management: Marine Budin/Elclimamola.

Una coproducción de Mercat de les Flors. Creado en residencia en Graner Fàbrica de Creació, La Caldera-Centre de creació de dansa i arts escèniques contemporànies y Àngels Margarit/Cia Mudances, L’Estruch, KREA/Azala y LSD Movement/Losdedae como premios del Certamen Coreográfico de Madrid/Paso a Dos, Melkweg Theater y Dansateliers.
Con la colaboración del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya.

+ info: www.roserlopez.com

Umma Umma Dance & Manuel Rodríguez – Stuntman/Loser Kings

Stuntman ©Guido Sarli

Umma Umma Dance y Manuel Rodríguez presentan un programa doble formado por Stuntman y Loser Kings. Stuntman es la última creación de Guido Sarli, un solo interpretado por Ares D’Angelo. La pieza se estrenará el 19 de octubre en el marco del Festival Sâlmon, en el Mercat de les Flors. Loser Kings nace de la colaboración entre Umma Umma Dance y Manuel Rodríguez. La pieza ha sido premiada en varios certámenes internacionales (Masdanza, Madrid, Burgos y Copenhague) y ha sido presentada en diversos festivales europeos. También ha sido seleccionada por el circuito Aerowaves Dance Across Europe 2013. Esta pieza explora dónde se aloja la esencia auténtica y primitiva del ser humano, mirando el interior del cuerpo como una alegórica prisión del individuo.

Umma Umma Dance es una compañía dirigida por Guido Sarli. Desde su fundación en 2010 en Barcelona ha sido invitada a varios festivales internacionales. Sus creaciones han recibido varios premios coreográficos. En 2012 colaboró con Manuel Rodríguez en la creación de Loser Kings. Manuel Rodríguez es intérprete y coreógrafo freelance. Ha bailado en varias compañías como Provisional Danza, La Veronal y Sharon Friedman entre otras. Sus creaciones han sido premiadas en varios certámenes coreográficos y presentadas en festivales internacionales. Actualmente trabaja con James Thiérrée y en su proyecto propio Savescreen.

Stuntman – Dirección y coreografía: Guido Sarli. Intérprete: Ares D’Angelo. Diseño de luces: Horne Horneman. Una producción de Lalavanderia. Con la colaboración de Graner Centre de Creació, Mercat de els Flors, Centro Coreográfico de La Gomera, La Caldera, Festival Sâlmon, Auditorio de Tenerife, Paso a 2 Plataforma Coreográfica y Fienile Fluò Bologna.

Loser Kings – Dirección y coreografía: Guido Sarli y Manuel Rodríguez. Asesores en la dramaturgia: Georgina Oliva, Pablo Gisbert. Intérpretes: Xavi Aluquer, Ares D’Angelo, Lautaro Reyes. Una producción de Lalavanderia. Con la colaboración de Graner Centre de Creació, Mercat de les Flors, Centre  Cívic Barceloneta, Festival Escena Poble Nou, Centre Cívic Can Felipa, Centre Cultural La Bòbila, L’Estruch, Festival Per Amor a l’Hart y Festival Sâlmon.

+ info: http://ummaummadance.com  // http://aboutmanuelrodriguez.blogspot.com.es

CONTRAPUNCTUS Danceport – Full Evening

FULL EVENING

¿Cómo percibimos y experimentamos una pieza de danza dependiendo de lo que escuchamos? La pregunta resulta clave para sumergirse en una propuesta que juega a descubrir cómo la música, el sonido, el paisaje sonoro y hasta el silencio, modifican y cambian la percepción de lo que estamos viendo y, por extensión de todo aquello que nos rodea.

Fundada en 2005 por Claudi Bombardó y Nora Sitges-Sardá, CONTRAPUNCTUS Danceport ha presentado desde entonces trabajos como 40 cadires/unplaced, DOS, STILL HOUR o REVOLVER/identi(c)tats, entre otros. Claudi Bombardó se ha formado en el Institut del Teatre de Barcelona, John Cranko School de Stutgart y Heinz Bosl Stiftung en Múnich. Ha sido bailarín de la Ópera de Viena y coreógrafo en compañías internacionales como la Tanzkompanie der Oper Graz y abcdancecompany. Con una destacada carrera internacional, Nora Sitges-Sardà ha trabajado con coreógrafos como Duato, McGregor, Forsythe, Kylián y Fabre. Actualmente es subdirectora y asistente artística de la compañía de danza del Teatro Gärtnerplatz de Múnich.

Idea y concepto: Claudi Bombardó, Nora Sitges-Sardà. Coreografía: Claudi Bombardó en colaboración con los intérpretes. Intérpretes: Iratxe Ansa, Laia Duran Fígols, Emanuel Gázquez, Nora Sitges-Sardà, Maxime Ianarelli. Composición musical: Varios autores. Escenografía: CONTRAPUNCTUS Danceport en colaboración con Adrià Pinar. Vestuario: CONTRAPUNCTUS Danceport en colaboración con Mari Simón. Diseño de iluminación: Claudi Bombardó, Cristina Conde Eujen. Concepción sonora: Claudi Bombardó, Jordi Salvador. Jefe técnico: Cristina Conde Eujen. Técnico de sonido: Jaime G. De Vinuesa. Fotografía: Àlex Rademakers, Josep Aznar.

Una pieza creada por CONTRAPUNCTUS Danceport. Coproducido por Festival Grec 2012

+ info: www.contrapunctusdanceport.blogspot.com

Roberto Olivan/Enclave Arts del Moviment – A place to bury strangers

Roberto Olivan_A Place to... © Jesús Robisco

A place to bury strangers es el inicio de un camino de regreso hacia aquello que cada uno podría considerar esencial. Descubre una manera dura de afrontar la sociedad, las relaciones sentimentales, la muerte parcial del ser. Encontrar el lugar al cual se pertenece; donde encontramos el hogar sin casa, donde nos sentimos ricos sin tener dinero, donde nos sentimos conectados con todo y todos.  
 
Después de estudiar en el Institut del Teatre de Barcelona, Roberto Olivan se instaló en Bruselas, ciudad clave en su formación y carrera profesional. Se formó en P.A.R.T.S. y comenzó a bailar profesionalmente en Rosas Dance Company en títulos como World Drumming o Achertland. Ha creado piezas para Rosas y Needcompany, entre otras. En 2003 fundó su propia compañía, Olivan Enclave Dance Company, con la que estrenó De Farra o Homeland. Actualmente dirige la compañía Enclave Arts del Moviment. También dirige el Taller de Danza Contemporánea Deltebre Dansa Internacional desde 2004 e imparte cursos en escuelas y centros de todo el mundo.

Creación e intérpretes: Spela Vodeb, Sol Vázquez, Felipe Salazar, Roberto Olivan, Matias Marré. Dramaturgia: Roberto Magro. Música: Laurent Delforge. Iluminación: Manu Martínez. Vestuario: Roberta Petit. Management y difusión: DROM/Carmina Escardó.

Una producción de Mercat de les Flors y Enclave Arts del Moviment. Con la colaboración de TRANSVERSAL, xarxa d’activitats culturals. Agradecimiento especial: Guillem Albà.

+ info: http://robertoolivan.com