PIEZAS ESCÉNICAS- IPAM 2013

Las compañías seleccionadas para presentar su propueta dentro del IPAM 2013 fueron:

Guy Nader – Where the things hide

Guy Nader_Where The Things Hide_© Hussam Mcheimech

Escondidos detrás de las cosas cotidianas, surgen nuevos mundos, nuevas dimensiones que alteran la percepción de una realidad inmediata. Lo absurdo, la paradoja y el humor se encuentran en nuestro cuerpo. Un cuerpo cotidiano descontextualizado que no sólo es un reflejo de lo que hay, sino que también está relacionado con la conciencia de lo que falta. Articulado detrás de su apariencia normal, reconocida y familiar para todos nosotros, esconde una cierta rareza que nos lleva a nuevas sensaciones y a diferentes percepciones.

El artista libanés Guy Nader reside en Barcelona. Compagina la creación y dirección de sus propias obras con la colaboración con otros colectivos y artistas de diversas disciplinas. Ha trabajado con Bebeto Cidra, Maqamat Dance Theatre, Oreet Ashrey y Roser López Espinosa, entre otros. Inspirado por diversos campos artísticos y las artes marciales, desarrolla un lenguaje coreográfico distintivo. Ha recibido diversos premios y reconocimientos internacionales como el primer premio en el Festival Internacional Masdanza 2010 y la beca Europa DanceWEB para assistir a ImPulsTanz de Viena en 2012. Es artista residente en La Caldera.

Idea y dirección: Guy Nader. Intérprete: Guy Nader. Asistente coreográfico: María Campos. Diseño de luces: Xavi Muñoz. Técnico: Amadeu Solernou.

Con el apoyo de BIPOD-Beirut International Platform of Dance y Maqamat Theatre Dance. Con la colaboración de La Caldera-Centre de creació de dansa i arts escèniques contemporànies.

+ info: www.guynader.com

Sònia Sánchez – El Pliegue

Sonia Sánchez_El Pliegue_© Alexy Goes Photos

El Pliegue se centra en la memoria interna y externa que surge de los sonidos y silencios, las melodías y las disonancias, las pasiones y las comprensiones, las actitudes y los gestos. Cada experiencia es utilizada como un movimiento interno del suelo que crea el relieve y las texturas en la dramaturgia.  La pieza ha surgido de la investigación lleva a cabo en el marco del ciclo de laboratorios llamado El inmediatamente de al lado, que tiene por objetivo crear espacios íntimos, comunes y momentos de reciprocidad.

Con 33 años de recorrido por el mundo de la danza y la música, Sonia Sánchez sigue apostando por su baile, investigándolo y exprimiéndolo sin descanso. Ligada al flamenco desde que nació, en 2002 decide iniciar una nueva etapa de indagación profunda en las formas de creación, composición y transmisión de este arte. Sin ánimo de olvidar ninguna de las revoluciones que la preceden, desarrolla un método de conocimiento y entrenamiento corporal inspirado en las herramientas del Body Weather y el flamenco.

Creación e interpretación: Sonia Sánchez. Colaboración artística: Joan Saura, Liba Vilavecchia, Manel Vizoso, Patricia Caballero, Eduardo Rodilla, Meritxell Roda.

Con el apoyo de Mercat de les Flors. Colaboración técnica: Centre Cívic Can Felipa, Centre Cívic Barceloneta, Centre de Creació Burg, Centre d’Investigació OK Corral y L’Estruch.

+ info: http://soniasanmar.blogspot.com.es

loscorderos – Crónica de José Agarrotado

loscorderos_Cronica de Jose Agarrotado_© rojobarcelona

Una atmosfera íntima, contundencia física y verbal. Un absurdo elaborado pero cotidiano es utilizado como hilo creador de un mundo propio, con leyes propias. La voluntad de convivencia en términos generales, y sus particulares imposibilidades, con el consecuente derrumbamiento de todo lo creado. Crónica de José Agarrotado es, básicamente, una cita sin salida con alguien tan cercano a ti que bien podría ser tu pareja o tú mismo. ¿Nunca has pensado que matar a tu alter ego podría ayudarte a soportar mejor la vida?  

Con sus creaciones, loscorderos.sc indaga en la naturaleza del ser humano. Su lenguaje escénico no está basado en la palabra, sino en la interrelación entre texto y fisicalidad, con la finalidad de encontrar nuevas vías de narración con las que llegar a mundos extra cotidianos, alejados del simple retrato de la realidad. David Climent y Pablo Molinero, junto con Pilar López, crean la compañía en 2003. Su primer trabajo,  Crónica de José Agarrotado, recibe el Premio Aplauso Sebastià Gasch y, diez años después, sigue madurando por diferentes escenarios. Su segundo trabajo, El mal menor, recibe el Premio al mejor montaje teatral del Premio Unnim de Teatro. Su última pieza, El cielo de los tristes, ha sido galardonada con el Premio al mejor espectáculo del III CENIT y el Premio FAD Sebastià Gasch. En 2013 son seleccionados para formar parte del proyecto europeo modul-dance e impulsan una nueva creación fruto de la colaboración con diversas casas de danza europeas.

Creación, dirección e interpretación: David Climent y Pablo Molinero. Música: Carles López , Pepe J. Gómez. Diseño de iluminación: Anna Rovira, Oscar de Paz. Técnico: Chus Parcero. Vestuario: loscorderos.sc. Management y producción: Pilar López.

+ info: www.loscorderos.es

Òscar Sol i Iris Heitzinger – Trinity

Pieza de danza interactiva audiovisual que narra el viaje de un cuerpo que atraviesa diferentes estados de percepción del espacio. A través del movimiento, el cuerpo se sumerge en un entorno de texturas y paisajes audiovisuales, que no sólo le acompañan sino que le empujan hacia un proceso de transformación. Mediante el estrecho vínculo alcanzado entre la triada del movimiento, la luz y el sonido, se da forma a un lenguaje que permite la manifestación de estos elementos en el espacio provocando, al mismo tiempo, profundos cambios en el comportamiento físico del cuerpo por la reverberación y los ecos de sus propias acciones.

Dedicado a las artes visuales y a la tecnología interactiva, Óscar Sol se ha especializado en el desarrollo de visuales generativos en tiempo real con la herramienta de programación Jitter. En 2009 inició el proyecto colectivo Electronic Performers. Ha colaborado con Lectrovision, Eric Singer y Cristian Vogel, entre otros. Iris Heitzinger estudió en el Anton Bruckner Privatuniversität de Linz y se ha formado en Inglaterra, Bélgica y Finlandia. Bailarina freelance y profesora, es cofundadora del guinea pic collective y colabora como creadora con artistas de otros ámbitos. Ramón Prada es músico y compositor y autor de música sinfónica, bandas sonoras, música de cámara y espacios sonoros para la escena. Reconocido internacionalmente, sus últimas composiciones utilizan la electrónica más experimental y la manipulación en vivo del sonido y la imagen.

Idea original: Óscar Sol. Creación: Óscar Sol, Iris Heitzinger. Coreografía e interpretación: Iris Heitzinger. Música: Ramón Prada/Vittus. Diseño interactivo y visuales: Óscar Sol. Vestuario: Ariadna Papiol.

Una producción de Electronic Performers. Con la colaboración de NU2′s, Graner Centre de  Creació y Mercat de les Flors.

+ info: http://electronicperformers.in

Olga Álvarez/La Taimada – Crash

Olga Álvarez_Crash

Crash se convierte en el colapso de dos cuerpos, de dos ánimas que se unen para fundirse, pero también para perderse y romperse. No es una historia, no explica quiénes son, qué hacen ni qué valen sus protagonistas, sólo nos muestra un fragmento, un intervalo en el que los dos personajes se cruzan, chocan frontalmente y se asoman a su propio precipicio.

Olga Álvarez se ha formado con Anne Morin, Carles Sala, Andrew Harwood, Benoît Lachambre, Àngels Margarit, Jordi Cortés, Lipi Hernández, Alexis Eupierre y Thomas Hauert, entre otros. Desde 2002 ha sido bailarina profesional con las compañías Búbulus, Artur Villalba, Las Malqueridas, Didi Dorvillier y Magda Polo. En 2004, junto con Leyre Llano, creó la Cia. LaTaimada, en residencia en La Caldera, La Danseria y el teatro Cal Bolet. Entre sus creaciones se encuentran La taimada, Kuadrilater, Silenci: projecte XXI, Estimada Ventafocs, (M)alicia y Postmalicia. Durante cinco años ha sido directora artística del Festival Danza También, organizado por el Ayuntamiento de Vilafranca.

Dirección: Olga Álvarez. Coreografía: Marc Fernández, Angie Mas, Olga Álvarez. Bailarines: Marc Fernández, Angie Mas. Ayudantes creativos: Beatriz Souza, Maribel Martínez. Música: Ilia Mayer. Producción: Cia. LaTaimada. Producción técnica: Censet. Producción ejecutiva: Anna Iglesias.

+ info: https://vimeo.com/channels/lataimada

El conde de Torrefiel – Observe how tiredness defeat the thought

La dramaturgia de la pieza yuxtapone un encuentro de baloncesto en el que los jugadores miden su resistencia, fuerza y técnica. Mientras, un hombre y una mujer debaten temas relacionados con ellos mismos, interrogándose alrededor de cuestiones vitales que les preocupan, como el amor, la política, el dinero, el entretenimiento, el arte o la muerte. Tanto el partido como la conversación están invisiblemente unidos por la idea de enfrentamiento: un tour de force con la pretendida finalidad de “ganar” la partida, jugando a baloncesto o defendiendo un discurso.

Pablo Gisbert y Tanya Beyeler encabezan El Conde de Torrefiel, un proyecto que propone piezas escénicas resultado de una oscilación entre literatura, artes plástica y coreografía, que busca trascender los parámetros del lenguaje verbal. Como si fueran discursos o hipótesis circunstanciales, sus trabajos configuran un recorrido que se dirige a responder una pregunta más grande: ¿Cómo traducir en escena la realidad contemporánea? La compañía, que inició su trayectoria profesional en 2010, forma parte del equipo artístico de La Veronal en la composición textual y dramatúrgica de sus piezas.

Idea y creación: El Conde de Torrefiel. Dirección: Pablo Gisbert, Tanya Beyeler. Asistencia dramatúrgica: Celso Jiménez. Intérpretes: Pablo Gisbert, Andreu Martínez, Jordi Rodríguez, jugadores de baloncesto invitados. Textos: Pablo Gisbert. Música: Frédéric Chopin,  agrupación musical invitada.

Con la colaboración de La Porta (programa Espacios Cómodos 11), Consell Nacional de la Cultura i les Arts-Generalitat de Catalunya  e Institut Ramon Llull.

+ info: www.elcondedetorrefiel.com

Pere Faura – Diari d’accions

Utilizando objetos, el movimiento del cuerpo o el lenguaje del vídeo, titulares de diarios se convierten en una manifestación poética y coreográfica al ser ejecutados, interpretados o rotos en un ejercicio físico, visual y poético que explora el espacio entre lenguaje y acción, entre partitura y ejecución, entre expectativas previas y realización final, entre literalidades lingüísticas y metáforas escénicas.

Pere Faura se graduó en la School for New Dance Development de Amsterdam en 2006 con una pieza que ganó el ITS Festival Award y fue seleccionada para la gira DansClick de los Países Bajos. El mismo año comenzó a trabajar en el Teatre Frascati de Amsterdam como coreógrafo residente. Allí creó la mayor parte de sus obras, presentadas internacionalmente. En 2009 recibió el prestigioso premio Charlotte Kohler. En 2011 y después de graduarse en el Amsterdam Master of Choreography, volvió a Barcelona y comenzó a trabajar en nuevas producciones y a colaborar con otros artistas visuales como Iñaki Álvarez, Joan Escofet o Aggtelek. Su trabajo se caracteriza por la apropiación de elementos de la cultura pop como el striptease, los musicales o el porno, en una coreografía multidisciplinar construida entre todos los elementos que conforman el mecanismo teatral.

Creación y dirección: Iñaki Álvarez, Pere Faura. Diseño de luces y técnico: Israel Quintero.

Una producción de Pere Faura e Iñaki Álvarez. Con el apoyo de la Beca Ciutat de VIc, Centro Coreográfico de La Gomera, Consell Nacional de la Cultura i les Arts-Generalitat de Catalunya y L’Estruch.

+ info: http://perefaura.com

Aimar Pérez Galí – Delta – A post-Believe Manifesto

¿En qué creer cuando se dispone de todo el aparato crítico para desmontar cualquier teoría, creencia o movimiento? Estamos ante una declaración de intenciones a nivel experiencial, donde se cuestiona el paradigma capitalista de provocar la constante sorpresa con lo nuevo, apostando por la revisión de procedimientos aparentemente ya agotados, jugando a preguntarse: ¿qué pasaría si ahora creo en esto?
Partitura coreográfica que sigue la estela de creadores minimalistas de los años 70 como Lucinda Childs o Sol LeWitt. Mediante cálculos geométricos y matemáticos, juega con la expectativa y establece un ritual que evoca lo sublime. Una estructura hermética y repetitiva que busca un estado sostenido y abstracto dentro de una construcción cósmica.

Aimar Pérez Galí trabaja en el campo de las artes escénicas y performáticas. Formado como intérprete de danza contemporánea en la Escuela Superior de Arte de Amsterdam, actualmente está cursando el Programa de Estudios Independientes del MACBA. Trabaja internacionalmente con Xavier LeRoy y Nicole Beutler, a la vez que desarrolla su propia obra y es responsable de Espacio Práctico.

Concepto y dirección: Aimar Pérez Galí. Intérpretes: Carme Torrent, Clara Tena/Javier Vaquero, Aimar Pérez Galí. Composición musical: Sara Fontán. Músicos colaboradores: Dani Vega, Björt Runarsdottir, Edi Pou, Lucrecia Dalt, Marc Abad. Diseño de luces: Akim Hassani. Vestuario: Jorque Dutor. Peluquería y maquillaje: Paco Garrigues. Asistente de movimiento: Laura Alcalà. Técnico: Valeria Linera. Producción: www.lafalla.net.

Una coproducción de Kunstcentrum BUDA y Mercat de les Flors. Con el apoyo del Institut Ramon Llull,  Fàbrica de Creació
Fabra & Coats y Graner Centre de Creació.

Albert Quesada – Solos Bach & Gould

Estudio minucioso de la famosa interpretación de las Variaciones Goldberg de Bach que Glenn Gould realizó basado en unas instrucciones íntimamente relacionadas con el sonido del piano y las palabras del pianista. El músico graba las variaciones, se equivoca y lo intenta de nuevo, nos habla de su manera de tocar y grabar. En este dueto que ofrece dos nuevas interpretaciones de la partitura, el movimiento acompaña y, al mismo tiempo, dirige la música.  

Después de estudiar Filosofía e Ingeniería Multimedia, Albert Quesada se formó P.A.R.T.S. en Bruselas y en la  Hogeschool voor de Kunstern-MTD en Amsterdam. Ha trabajado con Benjamin Vandewalle y, desde 2009, baila con la compañía ZOO-Thomas Hauert. Actualmente está de gira con Vera Tussing con el espectáculo Trilogy, una noche de tres piezas cortas sobre estructuras musicales, Slow Sports y Ensemble, su última propuesta. Creador de vídeo y también para la escena, actualmente se encuentra preparando una exploración sobre cómo entendemos la música de orquesta.

Coreografía: Albert Quesada. Adaptación: Federica Portello, Mireia de Querol, Petra Söör. Intérpretes: dos de los adaptadores mencionados. Música: extractos de una grabación de Glenn Gould de las Variaciones Goldberg de J.S. Bach (1955), entrevista a Glenn Gould sobre su última grabación de la pieza (1981). Vídeo y sonido: Albert Quesada.

Una producción de Albert Quesada. Con la colaboración del Consell Nacional de la Cultura i les Arts-Generalitat de Catalunya y nadine. Residencias: BUDA Kunstercentrum, Centre Cultural de les Corts y Estudio de Àngels Margarit/cia. Mudances. Apadrinado por Cia. Búbulus – Carles Salas / La Caldera.

+ info: http://veraalbert.wordpress.com

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